19° edición del Festival de Cine Alemán

19° edición del Festival de Cine Alemán

Del 12 al 18 de septiembre se llevó a cabo la 19° edición del Festival de Cine Alemán, en las salas Recoleta y Caballito de Village Cines. Allí, se proyectó una selección del cine alemán reciente, entre los que se encuentran largometrajes, cortometrajes y documentales.

Por @gimei18

En Cuatro Bastardos, vimos 8 de los 15 largometrajes proyectados y les contamos que nos parecieron.

19° edición del Festival de Cine Alemán

“Cleo” quizás es la película más divertida del Festival y una muestra turística por Berlín. Es como una Amelie alemana. Con una estética increíble, filmada como videoclip en muchos de sus pasajes, muestra las aventuras de una chica que siempre ha vivido en un mundo de ensueño aunque la vida no la ha tratado del todo bien. El cazatesoros Paul custodia un mapa secreto de Berlín que compró en una subasta. Cleo lo conoce y juntos emprenden un periplo por todos los grandes hitos de la historia de la capital alemana con la meta final de rehacer su vida. Conocerán sujetos excéntricos, figuras adorables, mitos y leyendas urbanas berlinesas.

Cleo es el primer largometraje de Erik Schmitt, realizado con una atención extraordinaria a los detalles y apelando a una sorprendente estética. La mezcla de diversión e hitos históricos de la ciudad alemana, hacen una película alegre y emotiva en partes iguales. Con un trasfondo similar a la entrañable “About Time”, de Richard Curtis, donde volver el tiempo atrás significa también perder algunos buenos momentos. Lo que más destaca en “Cleo” es la técnica en cuanto a paleta de colores, montaje, música, escenas de videoclip, flashbacks que nutren la historia y la hacen llamativa.

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“La pareja perfecta” (“Das schönste Paar”). Como la anteriormente mencionada sería la más divertida dentro de las películas vistas, ésta es la más atormentadora, la más angustiante. Una pareja enamorada es asaltada y humillada en sus vacaciones en Mallorca. De regreso a Berlín, donde trabajan como profesores de la misma escuela, comienzan a hacer terapia y tratan de retomar su rutina conyugal. Pero cuando Malte se cruza accidentalmente con uno de los agresores, la obsesión de venganza se apodera de él. La historia se adentra poco a poco en los caminos de la perdición y el tormento psicológico. La película expone las diferentes reacciones de las víctimas ante una situación de tamaña dimensión, culpa, venganza y perdón. La escena de la violación podría no haberse visto porque no suma nada a la trama, pero la historia completa está tan impregnada de drama y tensión que no llega a molestar. Las actuaciones de los protagonistas son excelentes.

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“Sólo Dios puede juzgarme” (“Nur Gott Kann Mich Richten”) es el segundo largometraje de Özgür Yildirim. Sin mucha moral ni un hilo narrativo coherente, podría decirse la peor película del Festival. Un thriller directo y urgente, con el espesor de la acción y del drama confabulados, desciende hasta el estrato más criminal de la sociedad sin horizontes para contar la desesperada historia de dos hermanos, Ricky y Rafael, que operan al margen de la ley. Angustia mucho al espectador que sólo necesita que finalice la obra.

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“Trautmann” fue vista en función privada con conferencia de prensa del director, antes del comienzo del Festival (PUEDEN LEER LA REVIEW COMPLETA DE LA PELÍCULA Y LA ENTREVISTA AL DIRECTOR MARCUS ROSENMULLER EN LA WEB DE CUATRO BASTARDOS). La historia del famoso arquero alemán Bert Trautmann, ex prisionero de guerra nazi, que se convirtió en una de las más sobresalientes figuras de la época, jugando para el Manchester City. La película habla de fútbol, sí, pero también de la sociedad, de la historia y de los temas trascendentales que rodean a un individuo. Con un trabajo intenso de investigación, se muestra la historia conmovedora de un hombre que se sobrepuso a los desafíos que la vida le planteó, en una mezcla de romance y fútbol. Emociona a cualquier persona que se abra a ver una biopic de un futbolista (que en realidad sólo se presenta como tal). Logra impresionar al espectador, tanto desde su costado bélico como desde el romántico, que luego se queda con ganas de averiguar más sobre esta epopeya humana.

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“En mi habitación” (“In My Room”) es una fábula moral que empieza como la crónica de un hombre en crisis -un camarógrafo mortalmente aburrido y sin pasión por la vida- y se convierte en uno de los relatos postapocalípticos que mayor intención moral y social lleva en sus entrañas. La crítica social que despliega el filme entronca con una constante temática en Ulrich Köhler y sus compañeros generacionales: la opresión de la condición contemporánea. Sus protagonistas, que se rebelan a las expectativas sociales, suelen acabar aislándose de la sociedad.

De raíz post-apocalíptica y ficción antropológica, se vislumbra al hombre en sociedad en la primera parte, la siguiente media hora al hombre en soledad y la última hora en pareja. Construcción de un relato de supervivencia incómodo pero no por eso muy original. Köhler propone en su relato de raíces bíblicas formas alternativas de vida, un tipo de refundación social en contacto con la naturaleza desde la individualidad más absoluta. ¿Acaso la especie humana realmente ha llegado a su fin?

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“Gundermann” es una biopic no convencional sobre Bernard “Gundi” Gundermann, uno de los músicos más influyentes de Alemania Oriental, cuyos ideales comunistas se vieron enfrentados, irónicamente, al régimen comunista que parecía no ser tan comunista y que murió con apenas 43 años en 1988. Filmado por Andreas Dresen, con una verdadera admiración y capacidad crítica hacia el personaje, y cuenta con la actuación de Alexander Sheer, quien también canta todas las canciones originales. Quizás por ser tan fiel a la realidad, termina aburriendo al espectador promedio que no conoce la vida del músico, siendo interesante para quienes sean fanáticos de Gundermann. Igualmente se convierte en una fuerte crítica al régimen comunista y así logra trascender como una fábula sobre el éxito y su caída, sobre lo íntimo y lo público.

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La película para toda la familia proyectada fue «Jim Botón» (“Jim Knopf und Lukas der Lokomotivführer”), dirigida por Dennis Gansel, quien siempre quiso convertir la novela de Michael Ende, uno de los grandes best-sellers de la literatura juvenil en Alemania, en una película moderna. Tras 14 años de trabajo, llegó una de las producciones más monumentales y costosas de la industria germana, un relato fuera del tiempo en torno a la amistad, la nobleza y la valentía, que entrega una fantasía épica para todos los públicos. Jim Botón, su amigo Lucas el Maquinista y Emma la Locomotora emprenden una gran aventura, un viaje que los llevará hasta las tierras del Emperador de Mandala para rescatar a su hija, Li Si, raptada y retenida en la Ciudad de los Dragones. La travesía es larga y peligrosa. En el camino harán nuevos amigos y Jim Botón descubrirá sus verdaderos orígenes.

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Dentro de la sección Documentales, pudimos ver “La gran noche” (Die Nacht Der Nächte), una película que celebra el poder del amor, que nos explica y nos muestra por qué es una parte tan importante de nuestra existencia. ¿Es posible compartir toda una vida con la misma persona? La fuerza de esta película reside en hacernos entender los fundamentos de varias relaciones muy duraderas explorando no aquello que las distancias, sino lo que las mantiene unidas. Un matrimonio de la India, uno de Alemania, uno de Japón y uno de los Estados Unidos conforman el corazón de esta película, que los muestra tras haber compartido sesenta años juntos. A partir de estas 5 historias de amor se expone la perseverancia de las personas para permanecer juntas y felices para toda la vida, a pesar de las crisis. Las escenas de muñecos de plastilina en stop motion divierten y también retratan de una manera diferente toda la intimidad que se propone en cada una de las vidas contadas desde la felicidad, la naturalidad y las heridas.

Además, se proyectaron las siguientes películas:

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“Sólo una mujer” (“Nur Eine Frau”), que narra la historia de Hatun “Ayhrun” Sürücü, una alemana de ascendencia turca, que lucha por una vida libre y autodeterminada frente a la oposición de su familia. Sus hermanos se niegan a aceptar su “rebeldía”. Los insultos y las amenazas irán en aumento hasta que la joven decide denunciar a su hermano mayor. Este hecho – que traerá consecuencias trágicas – marcará un antes y un después en su vida. El filme está basado en una historia real que conmovió a toda Alemania.

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“Nunca apartes la mirada” (“Werk Ohne Autor”). Inspirada en hechos reales que tuvieron lugar a lo largo de tres épocas distintas de la historia alemana, cuenta la historia de un joven estudiante de arte, Kurt, que se enamora de su compañera de estudios, Ellie. El padre de Ellie, el profesor Seeband, es un médico famoso que se indigna cuando su hija le presenta al hombre que ha elegido como novio y jura destruir la relación. Lo que ninguno de ellos sabe es que sus vidas ya están unidas por un atroz crimen que Seeband cometió varias décadas antes.

Es una reflexión sobre la relevancia crucial del misterio del arte, una crónica histórica en mayúsculas, un gran fresco que retrata la vida de un artista en su búsqueda abstracta por la verdad. Iluminado con la mirada poética de Deschanel y con el apoyo dramático de von Donnersmarck, Nunca apartes la mirada embiste contra las fuerzas primitivas que definen nuestras vidas.

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“Adam y Evelyn” (“Adam und Evelyn”). Basada en la novela del mismo nombre escrita por Ingo Schulze, he aquí una película que acontece en un limbo, una película silenciosa y serena en su apariencia cuyo fondo es extraordinariamente ruidoso y turbulento. Es el verano de 1989 y la RDA agoniza. Hungría ha abierto sus fronteras y los habitantes de Alemania Oriental se debaten entre quedarse en la comodidad de sus grises rutinas o lanzarse hacia una nueva vida. Esa es la situación de los jóvenes Adam y Evelyn, que el componente metafórico del relato aborda como la primera pareja en el “Paraíso”. El relato está marcado por la distorsión de identidades, por el dilema entre el hogar y la patria, por lealtades y traiciones, pero permanece atento a los sonidos de la naturaleza y discurre casi como una comedia de verano al introducir humor y ligereza en el corazón de sus sentimientos y, sobre todo, de su escepticismo.

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“El juego de la silla” (“Reise Nach Jerusalem”) que, en tono de tragicomedia, retrata la peripecia existencial de esta mujer de 39 años que se encuentra soltera y desempleada y asiste constantemente a cursos para aprender a solicitar trabajo que ella sabe que no la ayudarán a dejar de esperar en fila. El día que decide dejar de asistir, sus beneficios de desempleo se reducen y Alice, como eximia mentirosa que es, debe ocultar su difícil situación económica a sus allegados. Vive esforzándose por ser socialmente aceptada, pero no puede evitar sentirse cada vez más y más sola. Paga sus gastos con cupones de gasolina que consigue participando en estudios de mercado mientras hace todo lo posible por recuperar el control de su destrozada vida.

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“Este niño necesita aire fresco” (“Der Junge muss an die frische Luft”), la historia dramatizada de uno de los humoristas más queridos de Alemania. En otras palabras, es el drama de un cómico. Tal como él mismo cuenta en sus memorias, la infancia de Hape Kerkeling estuvo marcada por el humor y la alegría de vivir, pero también por experiencias dolorosas y traumáticas en la República Federal de la década de 1960 y 1970. Su madre sufría episodios de depresión profunda y era muy difícil hacerla sonreír, pero con su abuela mantuvo una relación muy especial. Desde muy joven intentó entretener a sus compañeros con divertidas parodias y se propuso hacer reír a todo el mundo tras el suicidio de su madre, cuando él contaba con tan sólo ocho años. Participó en concursos de talentos hasta que fue descubierto en 1984 y comenzó una meteórica carrera televisiva seguida por variados espectáculos. Se convirtió en uno de los comediantes y autores de libros más populares de la cultura alemana. La historia de Kerkeling conmovió a Caroline Link, que decidió tomar las riendas de este proyecto para entregarnos una tragicomedia esencialmente emotiva que refleja el pulso cultural, el humor y el amor de toda una nación a lo largo del tiempo. Y es que detrás de todo cómico siempre está la oscuridad.

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El otro documental fue «Espíritu Bauhaus – 100 años» (“Vom Bauen Der Zukunft – 100 Jahre Bauhaus”). Es mucho más que una película sobre la historia de la arquitectura. Nos lleva a un paseo asombroso y encantador en medio de los espacios y ambientes del Modernismo, un paseo que asegura que, a partir de ahora, todas las formas se verán con ojos completamente diferentes. Con la Bauhaus, el arte, el diseño y la arquitectura se volvieron políticos. El resultado fue una forma de arte aplicada dispuesta a pensar tanto en la distancia ideal entre la bañera y el inodoro como en el diseño de una silla perfecta. La Bauhaus como utopía social es el punto de partida desde donde la película analiza la evolución, la transformación y el poder de inspiración del movimiento durante los últimos cien años.

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Como cierre del festival, y en colaboración con el Goethe-Institut, se presentó «La muñeca» (“Die Puppe”), película muda de Ernst Lubitsch, en su 100º aniversario, con acompañamiento musical en vivo. Muestra a Lancelot, un joven sin mucho interés por las mujeres a quien su tío, el acaudalado Barón de Chanterelle, le promete toda su fortuna si se casa. Escondido en un monasterio para escapar de cualquier compromiso matrimonial, los codiciosos monjes le proponen que engañe a su tío casándose con una muñeca de tamaño real como si fuera una mujer de verdad.

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También se pudo disfrutar de Next Generation Short Tiger 2019, sección con los cortos más destacados de las distintas escuelas de cine y animación de Alemania.

El Festival se caracterizó por la variedad de géneros de las películas proyectadas, la mayoría ya estrenadas en Alemania pero ninguna en Argentina. El nivel general fue excelente, con temáticas variadas. Ya quedamos al aguardo de la edición 2020.

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